Paisaje Nacional Precario. Patricio Espinoza- agosto 2008

PROYECTO “PAISAJE NACIONAL PRECARIO”

Agosto 2008

Sala “Carlos Hermosilla · Museo BB.AA”

OBJETIVOS DEL PROYECTO

Realizar una exposicion individual de una gran pintura paisajista que abarque la totalidad de las paredes de la sala , en extensión, aproximado 35,26 mts, o en su defecto sólo la una de las paredes de la sala, es decir 18,46 metros en extensión (lo anterior dependera de la disponibilidad de espacio disponible por la galería), y una altura de 2,50 mts. Aprox. (referencia plano sala)

El objetivo de esta pintura es crear un paísaje continuo que refleje la geografia nacional chilena, pero vista desde su optica más sublime, precaria y carente de atractivo “turistico” visual, como asimismo, por su manufactura de ejecución, que es el estilo Neo-expresionista marcar un contrapunto con la pintura “tradicional”. Esta pintura debe llevar al espectador hacia una reflexion intima respecto al comportamiento hacia nuestro entorno natural y el desgaste que producimos en la naturaleza que nos cobija y sublimar por grandilocuencia en contraste con la precariedad de su ejecución y montaje.

Este cuadro-tela ademas de lo anterior, atendido a su sentido de lo precario tanto en ejecución como en montaje, es una negación al ritual solemne que se le ha dado al cuadro en occidente y es una revalorización del arte primitivo rupestre originario, a un pasado que no alcanza a estar muerto, porque revive en nuestro prius inconsciente, y es producto de un proceso investigativo de mas de 5 años relacionado con la des-construcción de la imagen y el color.

FUNDAMENTACIÓN TEORICA DEL PROYECTO

CONTENIDOS:

Lo sublime y lo místico en el paisaje.

La búsqueda del camino hacia la espiritualidad

Rechazo hacia la formalidad académica asociada con el arte

De lo precario a lo grandilocuente

La Belleza del Caos como orden

Lo bello de lo no bello

Este proyecto surge como resultado de un proceso investigativo sobre el verdadero valor de la imagen y el color, que partió con una pintura hiperrealista, dando paso a una periódica deformación de la imagen y una auto-restricción en el uso del color para dar forma a la imagen, como asimismo a una negación hacia la formalidades pre-establecidas en el hacer y mostrar pintura. La búsqueda del verdadero valor de la imagen, me ha llevado a indagar sobre los más diversos motivos, temas y estilos pictóricos hasta llegar hoy en día al paisaje. Cuando se habla de paisaje, se tiende a la clasificación, e inmediatamente surge la pregunta ¿Que tipo de paisaje es?, y casi en forma automática le sigue la pregunta ¿En que estilo esta pintado?, y como pintor debo tener la respuesta, y esta debe ser consecuente, coherente y lucida. Pero que sucede si no tengo la respuesta, o si mis paisajes se resisten a clarificar esas dudas, si son solo una amalgama incoherente de gestos y trazos que por si, y como individualidad no representan ni explicitan nada más que el propio gesto caótico de la voluntad del inconsciente - del otro yo, del subconsciente como diría Freud - del desahogo del espíritu, del acto de plasmar el caos mismo, pero que en su universalidad forman en yuxtaposición imágenes reconocidas que dan la sensación de un algo - que llamamos paisaje - reconocido, por trasmisión de conceptos. Pero este concepto al que llamamos paisaje, que no es más que la adecuación de un enunciado aprendido con una cosa, no es más que un precepto, anterior al concepto. Un paisaje no es más que una multiplicidad de imágenes, colores e ideas en nuestra mente. Ya Turner, Constable, y posteriormente Kiefer, lo entendieron así, y como concepto, se resistieron a representarlo como universalidad, para representarlo como individualidad, como precepto, como lo anterior, como el tanteo. Como una individualidad desprejuiciada y libre de estereotipos adquiridos, otorgando validez al acto mismo del caos como principio de la unidad, de todo lo formado, del Prius.

Según Longino (griego) lo sublime, consiste fundamentalmente en una belleza extrema, capaz de llevar al espectador a un éxtasis más allá de su racionalidad, o incluso de provocar dolor por ser imposible de asimilar. Según Kant, Bello y Sublime son dos conceptos opuestos el uno con el otro, una cosa no puede ser bella y sublime a la vez. O es Bella o es Sublime. Incluso antes de saber lo que había dicho Longino y también Kant, en mi pintura, en mis paisajes, estas ideas estaban incorporadas en ellos. Había una belleza de lo No Bello, una belleza que se desprende de la propia sublimación del hombre hacia él mismo y hacia su creador. Una representación de lo que en nuestros sentidos rechazamos; una composición deformada; temas pocos atrayentes principalmente por no coincidir con nuestros cánones de belleza, el uso de una paleta acotada de sólo dos colores mas el blanco y el negro, una mezcla que académicamente sería tildada de sucia. Pero, no seria una belleza extrema, sinónimo de lo no bello. Es difícil o mejor dicho imposible encontrar una belleza capaz de llevar al espectador a un éxtasis más allá de su racionalidad, a menos como decía San Agustín que se trate de la belleza de Dios, que es lo mas grande y perfecto que se pueda pensar. Si esta belleza es lo más grande que puedo pensar, aún no estaría pensada, y por ende imposible de concebir y representar, entonces no nos queda más que asumir que esta belleza, no puede ser otra cosa que lo No Bello. Es ésta, es éste concepto de lo no bello, lo que puede llevar al espectador a un éxtasis más allá de su racionalidad, dado principalmente porque el hombre no ha sido constituido para pensar fuera del orden, de la armonía, de lo lógico. Es por esta causa que lo no bello, nos asombra, nos repele, y nos desracionaliza.

En mi obra, trato de encontrar un plano distinto en el cual representar la belleza del paisaje, en un plano del No Bello como una contemplación meditada del enfoque que mi visión y percepción dan a la naturaleza, como metáfora del alma del hombre, sublimada y transfigurada por su propia alteridad espiritual. Si no veo la belleza en el hombre, no puedo representar la belleza que hay en él, a no ser que la represente a través de lo no bello, de su negación;

Friedrich trabajo con lo espiritual del paisaje, invitando a la contemplación y a la meditación sobre la inmensidad del universo. Kiefer trabaja sobre la irracionalidad del hombre germano, en especial durante el nazismo. Mi intención es trabajar sobre la pequeñez y soberbia del hombre del siglo XXI sobre la naturaleza y sobre si mismo. Buscar a Dios, como expresión máxima de belleza en el paisaje, aquella que hace perder la racionalidad, es una obsesión implícita dentro de mi obra. Buscar a Dios a través del paisaje, es una búsqueda hacia mi propia espiritualidad, asumiendo a éste como metáfora del Caos y del orden, que son en definitiva las dos máximas de la metafísica del hombre.

Si el caos, lo no bello, es sinónimo según mí parecer de esa belleza que desracionaliza al hombre, este no bello debe ser en todo sentido, caótico. Confundir a los sentidos es una de las prioridades de mis paisajes, desprenderme de la carga académica en el fondo y en la forma. Componer fuera de sitio, mezclar colores en la tela sin ningún tipo de control; utilizar mezclas sucias y donde el gesto sea el actor principal; La obra restringe el colorido a solo cuatro colores: Blanco, Negro, Rojo Indio y Azul ultramar, colores que por su condición, absorben la carga simbólica de lo sublime y a la vez niegan por contraposición lo bello. El color acotado es el que sublima, el que transfigura. Pero no solo el gesto, el color y el motivo, también el soporte debe sublimar, razón por la cual utilizo telas, que no son telas sino géneros que actúan de soporte, que cargan con el valor de la precariedad, de lo austero. La suma de lo precario, de muchas precariedades, debe llevar a lo grande. Las manchas inconexas por si solas, los colores restringidos, la precariedad del material que actúa como soporte; lo precario y marginal del montaje, la suciedad – entendida como acto primitivo, instintivo racional y premeditado – deben, sumado al tamaño del formato, generar una grandilocuencia que por su sola presencia deben sublimar al espectador. Porque según Kant, lo sublime, lo noble es aquello que por su sola presencia, por su austeridad, por su grandeza sublima, contrario a lo bello, que por su pequeñez, delicadeza, y estar lleno de adorno es bello. Así mi obra debe salirse de lo formalmente aceptado en pintura, para sublimar por precariedad, por lo no bello.

DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO

Proyecto “Paisaje Nacional Precario”

Consiste en un gran paisaje continuo de 35,26 mts en extensión (ambas paredes) y 2,50 mts. aprox. de altura, o en su defecto sólo la pared de la muralla B, es decir 18,46 metros.. En esta pintura se creara un paísaje continuo que refleje la geografia nacional chilena, pero vista desde su optica más sublime y carente de atractivo “turistico” visual, como asimismo, por su manufactura de ejecución, que es el estilo Neo-expresionista marcar un contrapunto con la pintura “tradicional”. Este gran paisaje será pintado con una paleta acotada de cuatro colores, a decir, negro, blanco, rojo indio y azul ultramar. La técnica a utilizar es el acrilico, elegido por su precariedad y opacidad con respecto al óleo, ademas de su secado rapido lo que permitira trabajar por yuxtaposición de colores y manchas. Se utilizará ademas el concepto de driping y chorreo para reforzar y remarcar texturas y lenguaje-pictorico plastico.

En este paisaje continuo, se representaran zonas arquetipicas y eficios emblematicos nacionales, tales como el desierto, la zona central, la zona sur, la patagonia y la antartida, la moneda, el congreso, etc. Todos estos lugares seran reinterpretados pictoricamente adaptandolas a la forma abstracta-figurativa, no siendo ni muy figurativo ni muy abstracto, a fin de hacerlos reconocibles al espectador.

La problematica de la obra es el desplazamiento del cuadro y su precariedad como negación a lo “bueno” como sinonimo de “bello”, por ende el cuadro sera pintado en forma continua sobre tela sin imprimar y para su montaje se prescindira del bastidor que contenga al cuadro. El cuadro dejara de ser ventana, para convertirse en manifestación del arte primitivo o rupestre. La disposición de la obra en el muro, refiere a que la pintura historicamente retoma o vuelve a reposicionarse en dicho lugar, como lo fue en el arte primitivo. La textura de la tela sin imprimar, reemplazara a la textura de la caverna y de la roca. El arte vuelto a sus comienzos. Rosalind Krauss afirma que la tradición de elevar la obra al muro otorga orden y sofisticación a la pintura, volviendo con ello a su lugar de origen.

El uso de una paleta acotada de 4 colores, hacen referencia por un lado a los colores usados por los habitantes originarios de chile, a decir Diaguitas, Atacameños, Mapuches, Onas y Alacalufes, y con ello se refuerza la idea del cuadro-tela reposicionado en su lugar de origen primitivo y por otro, el de la precariedad como concepto de negación a lo bello y al arte como ventana-vitrina de exhibición.

Producción y montaje

Descripción de las etapas de producción de la exposición:

Primera etapa: Seleccionar las imágenes que cumplen con los requisistos para ser incluidas en el cuadro.

Segunda Etapa: Adquirir los materiales para la elaboración del cuadro.

Tercera Etapa: Ejecución del cuadro (2 a 3 meses aprox).

Cuarta Etapa: Diseño, Elaboración y redacción del marco teorico que respalda la exposición (1 mes)

Descripción del Montaje: El montaje se realizará con el cuadro en crudo, sin soporte fijo de bastidor. Este cuadro-tela de 35,26 mts., o en su defecto 18,46 mts. Aprox. de largo x 2,50 metros de ancho aproximados y que cubrira todas las paredes de la galeria, se montara (sujetara) por medio de pequeñas argollas adosadas a los muros que sostendran la tela-cuadro en primera opción, y como segunda opción de montaje, se optaria por sostener la tela-cuadro a través de anclajes sujetos al techo y al suelo de la galeria, lo anterior, a fin de no dañar con agujeros las paredes de la sala, en no mas de lo necesario.

El color de la sala, seria el blanco.

Para la iluminación, se utilizarian la propia de la galeria, pero dirigidos en forma estrategica, a fin de resaltar las zonas de mayor interes del cuadro, o en su defecto una iluminación pareja e igualitaria para todo el cuadro.

El proceso de montaje puede sufrir pequeñas variaciones al momento de su puesta en practica, pero no modificaran la propuesta inicial.

Requerimiento técnico:

- La iluminación propia de la galeria

- Herramientas (taladro, remachador, tensador)

- Materiales (argollas de remache (entre 70 y 100 unidades), alambre de montaje (50 mts), clavos de pared (70 a 100 unidades)

Imágenes o bocetos de las obras a exponer:

Las imágenes y bocetos no son necesariamente los definitivos, atendido a que mi proyecto “Paisaje Nacional precario”, si bien cuenta con imágenes predefinidas estan son modificadas en la medida que el contexto final del mismo lo necesite.

Tiempo de Montaje: El tiempo estimado de montaje es de 2 días (a tiempo completo)

CURRICULUM

1. DATOS PERSONALES

Nombres Patricio Humberto			Apellidos Espinoza Hidalgo
Rut / Pasaporte 10.800.879-2			Nacionalidad chilena
Fecha de nacimiento 19 – agosto - 1972			Estado civil Soltero
País Chile	Región / Ciudad 13 / Santiago			Comuna Santiago
Calle mAC – IVER	Número 549	Casa / Departamento 112			Villa / Población
Código Postal	Teléfono			Fax
Teléfono móvil 8-2763636	Correo electrónico Phespino@uc.cl patopintor@hotmail.com			Página web
Sexo Masculino _X__ Femenino ___			Profesión u oficio Pintor, artista visual

2. ESTUDIOS REALIZADOS.

Titulo/Grado/Curso	Institución	País	Desde	Hasta
Lic. En Arte	Pontificia Universidad Catolica	Chile	2004	2007
Derecho	Universidad Central	Chile	1991	1993
Ingenieria Comercial	Universidad de las Americas	Chile	1990	1990

3. EXPOSICIONES REALIZADAS

Actividad	Año
Exposiciones Individuales
Tauromaquia, Galeria Gabriel Pando, Talca	2007
De lo Humano a lo Divino, ICP, Santiago	2003
Reflejos del Alma, I.C. Alameda	2002
De Cuerpo y Alma, Galeria Off de Record, Santiago	2002
Contrastes, Centro Cultural Mistral, Santiago	2002
Exposiciones Colectivas
1999: Colectiva Pintores Realistas, Galería Modern, Miami, USA. Colectiva Pintura Latinoamericana ,Galería La Pigna ,Roma ,Italia Galería Botello ,Puerto Rico 2000: Colectiva Chile’s Contemporary Realists ,The Santander Gallery ,Miami 2000: Colectiva Galería Hirschl & adler ,New York Colectiva Latin American Expressions ,International Visions The Gallery, Washington
2000: Colectiva Casa de La Cultura, Santo Domingo, Chile.
2001: Colectiva, Galería La Ventana Cemicual, Santiago, Chile.
2002: Colectiva, Galería La Ventana Cemicual, Santiago, Chile. 2002: Colectiva, Café La Boheme, Barrio Bellavista, Santiago, Chile. 2002: Colectiva, Hotel Crowne Plaza, Santiago, Chile. 2002: Feria de Arte, Galería La Ventana Cemicual, Barrio Bellavista, Santiago, Chile.
2003: Colectiva, “D’Artistes of the Gallery Artitude of Paris in BCN” Espais d’Art, Barcelona, España. 2003: Colectiva, Artistas seleccionados “IV Premio Jaurena Art”, LLobregat, España. 2003: Colectiva, Galería Euroart, Bolognia, Italia. 2003: Colectiva, “3º Salón Internacional du Petit Format”, Galería Artitude, Paris, Francia. 2003: Colectiva, “XII Salò Internacional d’Arts Plàstiques ACEA” Barcelona, España.
2004: Colectiva, XXXI Salón Internacional, “D’or du Val”, Francia. 2006: Colectiva, “Causeus Chilensis” 25 artistas pintan la comida chilena, Galería 13, Santiago, Chile. 2006: Concurso 6º versión, Artistas Siglo XXI Centro de extensión Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. 2006: Colectiva, “Chilenization” Sala Municipalidad de Renca, 2007: Colectiva, “Crines al Viento”, Museo Histórico y Militar de Chile 2007: Colectiva, Exposición “Artistas siglo XXI”, Hall central, Centro Extensión UC 2007: Colectiva, Escuela Abierta, Facultad de Artes Pontificia Universidad Católica 2007: Colectiva, “El gran cuadro” Parque Forestal, Santiago, Chile
Actividad Docente
Profesor Taller de Arte, Colegio Atenas, Vitacura, Santiago	2006
Profesor particular pintura y dibujo	2002 a la fecha
|
Otras
Miembro de la Federaciò Internacional d’ artist plàsctic ACEA’S Barcelona, España

4. BECAS, PREMIOS Y FONDOS RECIBIDOS

Institución	Nombre	Año
1º premio xii salon internacional de arte, barcelona, españa	federacio internacional d`artistes plástics	2003
ingreso a licenciatura en arte, bajo modalidad artista o cientifico destacado	pontificia universidad catolica de chile	2004

Caja de Muñecos, Vanessa Boccardo

Cajitas, de Vanessa Boccardo

Tengo, para comenzar a hablar de estas cajitas de Vanessa Boccardo, una imagen a la que me aferro porque la supongo arquetípica, porque evoca tal vez la experiencia más antigua que hubiéramos podido tener del arte. Es la imagen de una niña o niño que a los pies de la máquina de coser de su abuela compone, con los retazos de género que ésta desecha, unas formas de las que se diría miniaturizan el mundo circundante, someten sus relaciones al arbitrio de su propia fantasía, al imperio de sus propias leyes simbólicas. Con un botón, una carretilla de hilo vacía y una huila, los niños pueden construir, en efecto, un mundo diminuto, falso, pero denso de objetividad psicológica, en el que parecen sentirse más cómodos o más libres que en el soso y afanado mundo de sus padres. Eso - decía Baudelaire en La moral del juguete - constituye ya una experiencia de la belleza, pero se haría bien con no prestar a este término ese valor edulcorado, meloso, con que se le suele revestir a menudo. La imaginación miniaturista del niño no es sólo fantasiosa, “arcoirizante”, como parecen pensar las regentes de los jardines infantiles; a menudo también es paródica (parodia el mundo de los padres) y sus construcciones, otras veces, son el único correlato objetual eficiente para manifestar o elaborar sus miedos, sus deseos reprimidos y hasta sus traumas. Los psicólogos saben de eso también por sus dibujos y yo tiemblo a veces al contemplar uno que hice cuando tenía cinco años: mi madre aparece dibujada allí desmesuradamente grande y en el plano más lejano se puede ver mi casa, suspendida en el aire y junto a un auto, que tiene aspecto de ambulancia. Los dibujos y juguetes precarios – “bárbaros” les llamaba Baudelaire-, repito, no imitan simplemente el mundo circundante; crean a partir de sus ruinas una nueva y caprichosa relación, un mundo imaginado, que deja a la vista las primeras fijaciones del drama de la vida y el beneficio del símbolo, para hacerles frente.

No quería en principio, lo reconozco, hacer alusión al inevitable aire de juguete de estas cajas de Vanesa Boccardo, por temor a que pensase que considero lo suyo infantil o simplemente ingenuo. Como le he dado sin embargo a las construcciones infantiles otro valor que el habitual, creo, con todo, que ella me entiende: su trabajo es serio, “tan serio – diría Heráclito- “como serios son los niños cuando juegan”. Por lo demás, fue ella misma la que me contó un día que había comenzado a construirlas siendo niña y a la vista del espectáculo que le ofrecía una bodega en la que gustaba refugiarse. Puedo imaginar ese espacio y pienso que si sus cajas están pintadas de negro, en parte es para evocar esa penumbra.

No sucede lo mismo con las cajas blancas o coloreadas de Joseph Cornell, con las que pensado a veces que las suyas podrían tener un aire de familia, sólo para convencerme luego de que el único parentesco era que ambos construían cajas, pequeños teatros estáticos hechos de rústicos materiales y objetos de uso doméstico. Cornell, por otra parte, era surrealista y lo era además en un sentido que él llamaba “blanco”: se sentía ajeno a la penumbra y más cerca de la luna llena y el pasado. Sus cajas, en efecto, están provistas de esa fuerza onírica y nostálgica que es típica de la imaginación surrealista, pero carecen por completo de referencias a esos elementos oscuros, obsesivos y hasta violentos que se apilan más a menudo en el inconsciente. Llamémosle a eso la “penumbra” y agreguemos que las cajas de Vanessa Boccardo, aparte de ser negras, no deslindan un imaginario que pudiera llamarse “blanco”.

“Vanesa Bocardo – escribí hace tiempo en mi cuaderno - concibe su trabajo como una alegoría objetual del espacio doméstico, de su condición de refugio o lugar de repliegue frente a las amenazas del exterior, pero también, y en virtud de ese mismo movimiento, de sus dramas más íntimos o el traslado de los mismos en el ritmo impersonal de las ocupaciones cotidianas. Cada caja es un fragmento visual tridimensional, una instantánea escultórica, hecha de objetos arrancados de sus contextos de acción y significación originales para servir luego de signos de un espacio imaginario, que por momentos puede parecer anodino, pero que la mayor de las veces es crítico y traumático. A pensar: los rostros de sus muñecos y los rostros en las pinturas de Francis Bacon”.

Hay, diría, dos tipos de escenas en estas cajas. Están, por un lado, las que podríamos llamar “anodinas” y están, por otro, las que podríamos llamar “alegóricas”: las primeras presentan escenas cotidianas, las segundas ilustran ideas. Me interesan sobre todo estas últimas, si bien en las primeras nunca pasa tan poco como para decir que no pasa nada. En verdad, pasa mucho: descubren, si se aguza el ojo, una facticidad traumática: allí una mujer vomita, otra es asesinada, hay escenas eróticas en los parques y escenas lúbricas en la casa. A juzgar por la dirección de sus miradas, se diría que cada muñeco vive en un mundo paralelo, incomunicado, está absorto en sus afanes,“soledades afanadas”. La arquitectura más recurrente parece insistir sobre esto mismo: el primer y el segundo piso se comunican, pero sólo a través de estructuras precarias, tambaleantes, como si todos estuvieran apartados y todo en transe de venirse abajo.

Las escenas “alegóricas” son distintas; dije que remiten a ideas, y no a cosas que pasan. Hay alegorías del deseo, la belleza, la muerte, la represión, la soledad, las letras y las artes; el conjunto en todo caso es enigmático. Si aquí no pasan cosas, es difícil en verdad decir qué pasa. Porque son construcciones más especulativas, no es de extrañar que predominen los espejos. Los espejos revelan algo, al menos porque por ellos siempre pasa algo. Tal vez sea una hipótesis arriesgada, pero me atrevería a decir que una connotación importante de esta serie es la imagen, el devenir imagen, luego mirarse y ser mirado: cuando no hay espejos que los reflejen, de todos modos los muñecos son mirados, por rostros de revistas que a veces miran y no miran desde el fondo.

Todo, en efecto, hasta lo más íntimo, parece penetrado en estas cajas por una exterioridad que le obliga a exponerse: “se busca”, “se mira”, “se vende”, “se percibe”, “se cuelga”, dice una; como si todo no tuvieran más realidad que la de un anuncio, una “apariencia pública”, una fachada. Lo mismo le pasa a las imágenes que produce el arte y que a menudos suponemos densas: la Gioconda se refleja en un televisor, el televisor se ha transformado en animita, a la que una devota figura reza: “se columpia en su propia narcolepsia” – diría Bárbara Kruger- “creyendo en todo y creyendo en nada”. No quisiera hacer sociología, pero en esto veo una clave. En la pared izquierda de la misma caja, una frase inscribe la génesis de la imagen como un asunto cosmogónico. Pero ¿qué tipo de imagen? Una que se hace al tiempo que se borra, por la que pasa algo y al mismo tiempo no pasa nada. Tal es precisamente el estatuto de las imágenes comerciales o mediáticas, las imágenes sin densidad, y Vanessa Boccardo las utiliza varias veces en sus trabajos. En esos casos, se diría, sus muñecos no retozan en lo real, retozan más bien en lo representado.

Bruno Cuneo

•Curriculum de

Vanessa Silvana Boccardo Bosoni

• Email:vanessaboccardo@hotmail.com vanessaboccardo@gmail.com

• ESTUDIOS

• 1999-2000: Bachiller en Arte , Pontificia Universidad Católica de Valparaíso.

• 2001-2006: Diplomado en arte, Pontificia Universidad Católica de Chile.

• 2002-2005: Licenciatura en Arte, Pontificia Universidad Católica de Valparaíso.

• EXPOSICIONES COLECTIVAS

• 2007 Seleccionada del XXIX CONCURSO NACIONAL ARTE Y POESÍA JOVEN

• 2006 Obras en la Sala de Ventas de la GALERÍA ARTESPACIO, Santiago.

• 2006 Seleccionada del concurso de “PRIVADO A PÚBLICO”, Concurso de fotografía Animal radio Zero, Galería Animal, Santiago.

• 2005- Seleccionada del XXVII CONCURSO NACIONAL ARTE Y POESÍA JOVEN

• 2005-EVIDENCIA RESIDUAL, Museo Lord Cochrane, Valparaíso

• 2003-T.VEO, Muestra colectiva de video arte, Corporación de Reñaca, Viña del Mar

• 2002-Seleccionada del CONCURSO NACIONAL ARTE Y POESÍA JOVEN

• 2001-DE MAR A CORDILLERA, Muestra Itinerante para la Región de Valparaíso.

• 1996-EXPOSICIÓN DE PINTURA, Taller de Sthephan Groeel, Centro Cultural de Limache

• EXPOSICIONES INDIVIDUALES

• 2002- CAJA DE MUÑECOS, Café Vinilo, Cerro Alegre, Valparaíso

• 2004-CAJA DE MUÑECOS II, bar el Irlandés, Valparaíso.

• 2005- CAJA DE MUÑECOS III, Restaurante Alegretto, Cerro Alegre, Valparaíso.

• 2007-Exposición permanente, café Vinilo, Cerro Alegre, Valpartaíso.